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Posiblemente sea Joseph Beuys (1921-1986) uno de los artistas más polémicos del arte del siglo XX. Rechazado violentamente por unos, aclamado y seguido por otros, su persona y su obra pocas veces han provocado indiferencia. Beuys ha transitado por diversos territorios para confluir finalmente en uno, que es su concepto integral y vital de la creación: escultura, dibujo, instalación, acción, docencia de arte y actividad política. En su plástica, materiales peculiares adquieren carta de naturaleza: miel, grasa, fieltro, motores eléctricos, animales... Sus acciones se convierten en escenificaciones del mito más arcaico. Sus discursos, más políticos que estéticos, se encaminan a regenerar las heridas de la sociedad, proclamando para esta la recuperación de su propia actividad.

En este ensayo sobre Gilbert & George se incide en el carácter transgresor de su obra, en su inconformismo con las ideas mayoritarias de su época: una obra que aprovecha cualquier elemento molesto para la sociedad o el mundo del arte. Cuestiones como la fusión del arte y el artista; el tratamiento abierto de su íntima relación con la bebida; la plasmación de la crueldad y la violencia como elementos constitutivos de la cotidianidad social; el aprecio por otras razas; la asunción del deseo homosexual por los jóvenes y la propia desnudez; las referencias a emblemas militaristas y signos políticos extremistas, o la representación del dolor y la desdicha con toda su crudeza. Temas que han estado, y permanecen estando, en los límites de lo admisible por las mentes bienpensantes de la sociedad. Su trabajo nace y se desarrolla en un ambiente netamente urbano. A lo largo de su historia artística resulta llamativa la presencia constante de la ciudad de Londres. En este texto, y través de sus obras, podemos recorrer muy diferentes paisajes y paisanajes de la gran urbe. Pero su topografía no la encontraremos en ninguna guía de la ciudad. Son visiones extrañas y comprometidas...

Se analiza el uso heterogéneo y dispar que los creadores contemporáneos han venido haciendo con la fotografía en las últimas cuatro décadas, en las que resulta complejo delimitar la frontera entre la fotografía de creación y cualquier otro tipo de práctica fotográfica, pues buena parte de estos artistas han promovido la "amateurización" y el mestizaje del medio fotográfico como recurso estético, contraviniendo las tesis clásicas que defendían el virtuosismo o el profundo conocimiento técnico como condición indispensable para legitimar cualquier discurso genuino de autor.

Las obras y los artistas analizados coinciden en una elección formal -la desmaterialización del objeto artístico- y en una actitud en los planteamientos -la percepción de la obra en tanto que experiencia visual para el espectador. Se utiliza la luz como experiencia plástica que permite dictar un lenguaje de imprecisión y misterio, y superar el límite de la materia.

Durante su corta existencia, Piero Manzoni dedicó su trabajo a socavar las ideas y las prácticas dominantes en el arte de su tiempo. Obras como los Achromes, cuadros realizados sin pintura; las Líneas encerradas en cilindros de cartón; las Bases mágicas (quien subiera a ellas se convertiría en obra de arte) o la Mierda de artista, envasada en pequeñas latas y vendida por el precio equivalente de su peso en oro, permanecen en la actualidad como hitos de la más extrema transgresión vanguardista.

El ensayo trata de proponer una serie de lecturas acerca de distintas manifestaciones artísticas, surgidas a lo largo del siglo XX, que no pueden entenderse sin una perspectiva transversal que tenga en cuenta los símbolos, signos y significaciones que la sociedad ha ido imprimiendo a las representaciones de la sexualidad y, por ende, a las que se atribuyen a hombres y mujeres. Estas cuestiones de género son cambiantes y están sometidas al discurrir de los avances sociales, políticos, científicos, culturales y de otra índole que han ido modificando los papeles adscritos al sujeto moderno y contemporáneo, que carecería de imagen y representación visual sin el empuje de los diferentes movimientos feministas. También es destacable la aportación de los estudios de temática gay y lésbica y, recientemente, el impacto de la denominada teoría queer, que cuestiona la existencia de identidades fijas en relación con los comportamientos y las orientaciones sexuales. Todo este conjunto de razonamientos dibuja un perfil nómada y heterodoxo de los sexos y también de las resistencias que presentan quienes tratan de mantener a ultranza la divisoria de la feminidad y de la...

Emilio Vedova es uno de los artistas más representativos del informalismo europeo, tanto por el indiscutible interés de su producción, cuanto por su posicionamiento social, lo que le convierte en paradigma del artista comprometido. Su trayectoria creativa cubre toda la segunda mitad del siglo XX. Sus inicios en los años treinta se hallan marcados por la exploración del territorio de la pintura a partir de la abstracción expresiva. A finales de los cuarenta conforma una poética informalista apostando por los significados sociales, y a partir de los cincuenta crea instalaciones. Desde mediados de los ochenta utiliza soportes pictóricos circulares que incluyen elementos extrapictóricos.

En los siete años que duró la vida artística de Yves Klein, que van desde su primera exposición en 1955 hasta el año de su muerte, este experto yudoca tuvo tiempo suficiente para cambiar las cosas. Con la actitud de un preclaro prestidigitador, puso a la vista del público sus múltiples invenciones (los monocromos, la escultura de fuego, la pintura antropométrica, la arquitectura de aire, el vacío, las esponjas, etc.) como reclamos para seducir a la experiencia del mundo en una dimensión perfeccionada.

Originariamente italiano y nacido al calor del sesenta y ocho, el arte povera pronto sintonizó con las corrientes posminimalistas tanto europeas como americanas. El adjetivo povera ha perdurado como indicador de una sensibilidad preocupada por situar al artista en el nexo Naturaleza/cultura; por la valoración de materiales frágiles e inestables; por la energía y el proceso y la huida del artista como productor de artefactos únicos y duraderos. Muchos artistas se consideran deudores de su aire conceptual y de su apuesta para que las actitudes y los procesos se conviertan en forma.

Durante la mayor parte de la historia de la Humanidad, las artistas se sometieron a los condicionantes socioartísticos que marcaban lo que debía definir las creaciones femeninas. La intención de la obra es detenerse en aquellas artistas que, a pesar de no haber estado conscientemente unidas y articulado un grupo con el propósito de destacar la experiencia femenina, manifiestan a través de su obra una conciencia y valorización de esta, hasta llegar a la generación de una teoría y una práctica artísticas decididamente feministas en las últimas décadas del siglo XX.

Estudio sobre la reinstauración del expresionismo en Alemania a partir de los años sesenta, restaurando puentes con "Der blaue Reiter", sin olvidar otros gritos de angustia propios de la pintura alemana de principios del siglo XX.

Hasta la década de los 60, el arte de acción no se desarrolla tal como lo entendemos hoy. Es en los 70 cuando es aceptado como medio artístico con derecho propio y los museos empiezan a patrocinar festivales, las escuelas de Bellas Artes introducen cursos de performance y surgen algunas revistas especializadas. Así, el happening, la acción y la performance se encuentran entre las expresiones artísticas más fructíferas de la segunda mitad del siglo XX. Gracias a ellos el estatuto tradicional de obra de arte se ha desmoronado y el artista ha asumido nuevas funciones, más próximas al papel de mediador que al de creador.

En el verano de 1932 Juan O'Gorman, un jovencísimo arquitecto que aún no se ha titulado, termina en México DF la construcción de las casas estudio que ha proyectado para Diego Rivera y Frida Kahlo. Tras una empalizada de cactus dos cubos casi perfectos –pintado uno de azul intenso, de rojo y blanco el otro- se elevan sobre delgadas columnas de hormigón desnudo ante la mirada atónita de todo el mundo. Las casas tienen un aspecto extraño, no se parecen a ninguna obra que se haya hecho antes en México. Su construcción es de una extrema racionalidad y eficiencia pero al mismo tiempo su estructura, sus volúmenes y huecos se acompasan con una plasticidad inusual y generan una atmósfera marcadamente onírica. Constituyen una auténtica obra maestra de arquitectura, un extraño fruto que surge de forma inesperada de la mano de un desconocido. Sin embargo detrás de esta obra hay toda una historia que se remonta bastantes años atrás, una historia que traba íntimamente la arquitectura con la pintura a través del compromiso político. En ella participan un sinfín de personajes relevantes -Edward Weston, Tina Modotti, Manuel Álvarez Bravo, Carlos Obregón Santacilia, José...

La elección del contenido de esta obra obedece, principalmente, a dos razones. La primera se fundamenta en el hecho de que nadie duda hoy en considerar al museo como un medio de comunicación, al igual que la radio, la televisión y los medios interactivos; incluso podemos afirmar que el museo utiliza todos los lenguajes que singularizan a cada uno de estos medios, reforzando así su potencial comunicativo. La segunda, parte del deseo de analizar, desde una perspectiva histórica, cuáles han sido los mecanismos comunicativos del museo desde sus orígenes hasta nuestros días.

As its title indicates, the book series "Latin American Literatures in the World" presents an innovative understanding of literatures written in Latin America and the Caribbean. Informed by current perspectives on world literary studies and cultural theory, the series focuses on works that deal with the multiple global connections of Latin American literatures. This comprises determined aesthetics and forms of writing, as well as book-market-related phenomena of the worldwide reception and circulation of these literatures. Understanding Latin American literature’s transnational orientation as its essential feature, the series seeks to provide new perspectives on the global entanglements of Latin America. A special emphasis is placed on works that consider relations and exchanges with Asia, Africa and other world regions beyond the traditional transatlantic focus. Como su título lo indica, la serie "Literaturas latinoamericanas en el mundo" representa un entendimiento innovador de las literaturas concebidas como latinoamericanas y caribeñas. A partir de postulados actuales de los estudios de la literatura mundial y la teoría cultural, la serie se centra en trabajos que...

Amplio y magníficamente ilustrado análisis del arte de los sesenta (1955-1969) en relación a los movimientos socioculturales y políticos que lo sustentaron y la respuesta que suscitaron hasta convertirse en una influencia fundamental en el arte de nuestros días.

El arte del siglo XX en sus exposiciones. 1945-2007 se centra especialmente en las exposciiones que han generado nuevas maneras de contemplar y expresar la realidad. Se han primado las exposiciones "de tesis", las que han propuesto nuevas intenciones creativas y las que han puesto de manifiesto el "espíritu de los tiempos"; las exposiciones que han agitado el debate creativo; las que han sabido manifestar los significados culturales del arte; las que, en definitiva, han sido concebidas como interrogaciones sobre el estilo, los lenguajes y los dicursos plásticos, pero también, sobre las intenciones y los posicionamientos artísticos de nuestra época.

Con una estructura clara año a año, los autores presentan más de un centenar de artículos que, centrados en un acontecimiento crucial –la creación de una obra seminal, la publicación de un texto importante o la inauguración de una exposición fundamental, por ejemplo– contienen un gran volumen de información sobre el arte desde 1900 hasta nuestros días. Se exploran en profundidad todos los puntos de inflexión y los avances clave de la modernidad y la posmodernidad, sin olvidar las frecuentes reacciones modernas que proponían visiones alternativas del arte y del mundo. Cada uno de los autores ha escrito una introducción en la que se ocupa de las metodologías en boga en la historia del arte, informando y aumentando el grado de comprensión del lector en lo tocante a su práctica actual. La estructura flexible y las numerosas referencias cruzadas permiten que éste trace su propio camino a lo largo del siglo y siga cualquiera de las muchas narraciones que se despliegan en el libro, ya sea la historia de un medio como la pintura, el desarrollo del arte en un país determinado, la influencia de un movimiento como el Surrealismo o la aparición de un corpus estilístico ...

Reflexión sobre la interacción entre la obra de arte y el espacio como consecuencia de la integración de la primera en el ámbito de la arquitectura y el urbanismo.

Accompanying DVD includes dramatic works dating from 1992 to 2008.

Se analiza la obra de los artistas más representativos que han creado arte con su cuerpo, ampliando y renovando la tradicional técnica del autorretrato, ya que el artista vive literalmente su arte tanto de forma pública -performances- como privada -vídeo y fotografía-, exhibiendo su arte fuera de las paredes de museos y galerías, en espacios inverosímiles y con medios insólitos, derribando las barreras que separan la experiencia vital de la sensual.

La Ciudad Radical es el resultado de largos años de investigación académica en torno a la cuestión de la convivencia humana y a la fantástica y radical capacidad creadora de las sociedades, al imaginario social y a la ciudad como su gran obra. En última instancia, un manifiesto en defensa de la fantasía como potencia creadora, como característica fundamentalmente humana, que evidencia la unidad que se da en el ser humano entre el interior y el exterior, entre el pasado y el futuro, entre idea y acto, entre imagen y materia. Y como decía el Novalis de Borges, "Nosotros (la indivisa divinidad que opera en nosotros) hemos soñado el mundo ̈. Hemos soñado la ciudad, hemos inventado la convivencia. En lo imaginario, y en el imaginario, reside la infinita y reiterativa capacidad de la sociedad para inventarse y re-inventarse, para crearse y re-crearse en el mundo, a través de la ciudad. Es la imaginación la que nos ha permitido habitar el mundo construyendo, y construir el mundo habitándolo. El mundo tal como lo vivimos y como lo vemos, es la fantasía de lo humano, "el gran edificio invisible que habitamos". Una gran invención que nos permite estar en él. La...