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Moretti estudia la condición del genio de modo original y minucioso en el ámbito de la relación existente entre el poeta y el artista con la naturaleza. Surgen aquí las principales preguntas y los problemas más complejos, pues el genio afirma su condición subjetiva, su "fuerza", su excepcionalidad y prescinde de las reglas que habitual y clásicamente se aplican a la representación-imitación de la naturaleza. El genio sustituye la verdad conceptual de las reglas por el poder creador de la imaginación y la fantasía, de tal modo que, como dice Kant, es él mismo naturaleza, no un simple intérprete. Moretti analiza la historia de esta tensión en la Antigüedad y en el Renacimiento, pero son sobre todo sus estudios sobre el dieciocho europeo, el Romanticismo y la Modernidad los que proporcionan mayor actualidad a este libro.

La irrupción del expresionismo abstracto o pintura de acción en los años cuarenta trajo consigo un cambio sustancial en las interpretaciones habituales del arte moderno, métodos y criterios historiográficos y críticos. En este marco la obra de Jackson Pollock ocupa el lugar más destacado y muchos de los nuevos estudios le están dedicados. Cabe afirmar que en torno a ella se produjo un verdadero debate. En el presente libro se recogen algunos de los más importantes momentos, ensayos, de ese debate. William Rubin, Director del Departamento de Pintura y Escultura del MoMA entre 1973 y 1988, responsable de algunas de las exposiciones más importantes de la época y una de las figuras más destacadas en el ámbito de la museografía, sitúa la obra de Pollock en la estela del impresionismo, el cubismo y el surrealismo. Sin ignorar la influencia del cubismo y el surrealismo, Clement Greenberg afirma la radical novedad de Pollock, mientras que Michael FitzGerald analiza sus controvertidas relaciones con Picasso en el ámbito del arte de Nueva York en los años cuarenta. Michael Leja aporta una perspectiva de corte psicologista y Rosalind Krauss se inclina por el formalismo. La...

Este volumen recoge las aportaciones entorno a la configuración del perfil del artista y cómo ha ido evolucionando a lo largo de la Historia, atendiendo a los procesos formativos, la proyección social de su figura y la construcción de la idea de genio, así como a la representación de su imagen. Han sido llevadas a cabo por más de treinta autores procedentes de diversas universidades y centros de investigación nacionales e internacionales en el marco del simposio internacional Reflexiones sobre el gusto V, dedicado a El artista, mito y realidad, organizado por el grupo de investigación de referencia Vestigium a finales de octubre de 2019 en Zaragoza.

¿Dónde está la poesía? ¿En qué órbita giran sus destellos inexplicables? Una palabra responde estas preguntas: misterio. También se la reconoce por otro factor común: es una literatura volátil de fondo, que opera siempre en las profundidades de las personas. Hasta allí son capaces de llegar sus rayos y multiplicarse en ecos de mil tonos, vibraciones inesperadas y actos concretos de revelación. ¿Y el poeta dónde está? Está de espaldas a la vida civil y contra la calamidad de hacer o ser un producto; está en la noche, en las horas de insomnio, en la barra de los bares, en el nomadismo o en la soledad. Es un pescador de frecuencias antiguas y recientes que casi nadie sintoniza. Como de una guerra sin ganadores donde no hay nada que perder (lo que está en juego son las ilusiones del amor), Manuel Moretti viene de esos lugares en los que parece haber nacido. Es un Rimbaud de las pampas que entregó su poética personal, social, naturalista y metafísica a la música, vía regia de acceso a los corazones. Demasiadas pocas cosas es el testimonio de un mundo que ilumina las canciones de Estelares pero viene de un momento previo, aquel en el que por primera vez Moretti...

Salvador Dalí (1904-1989), conocido principalmente por su estilo único y grandilocuente, puede presumir de un repertorio extraordinario donde concurren cine, escultura, fotografía y, por supuesto, pintura. Mientras que su nombre es a menudo asociado, con razón, al surrealismo, Dalí demostró su maestría en géneros tan dispares como el clasicismo, el modernismo y el cubismo. No por menos, supone una figura crucial en la historia del arte que ha inspirado innumerables libros y estudios. En este volumen los lectores podrán encontrar una fascinante apreciación de la vida y obra de uno de los pioneros del arte que más controversia y excitación despiertan.

La imaginación, libro publicado originalmente en 1996, en el marco de la colección Léxico dell'estetica, que dirige Remo Bodei, es una minuciosa y original aproximación a un tema polémico. Ferraris recorre la trayectoria histórica de las diversas concepciones de la imaginación, y tiene buen cuidado de resaltar aquello que para las teorías establecidas tiene la imaginación de molesto. Ferraris, autor de una gran erudición, es también maestro en la presentación original y muchas veces deslumbrante de una teoría cuyo tratamiento siempre deja insatisfecho.

Pablo Picasso (1881-1973) es considerado por muchos el artista más importante del siglo XX. Nacido en Málaga, Picasso demostró su talento desde una edad muy temprana y se apresuró en tomar contacto con los círculos artísticos más importantes de su tiempo, primero en Barcelona y posteriormente en París. En su modernista búsqueda de la novedad, Picasso acudió a la historia premoderna y al arte primitivo para encontrar la inspiración. A él y a su compañero Georges Braque les debemos la invención del cubismo, que no se trata únicamente de uno más de entre los muchos movimientos vanguardistas, sino de la corriente estética que cambiaría la pintura para siempre.

Estos ensayos constituyen las únicas reflexiones que Martin Heidegger ha dedicado a responder estrictamente al problema de la estética. Se trata de "El origen de la obra de arte" y "Hölderlin y la esencia de la poesía ", reunidos con el título abreviado de Arte y poesía.

¿Qué son los objetos fractales ? ¿Para qué sirven, cuál es su historia y por qué se llaman así ? Las fractales representan a la vez una teoría matemática y un método para analizar una gran diversidad de fenómenos de la naturaleza ; precisamente aquellos fenómenos que se nos antojan «sin ley», como la caprichosa forma de una costa, de una nube o, incluso, de una obra de arte. Benoît Mandelbrot creó las fractales a principios de los años sesenta y hoy protagonizan investigaciones que se ocupan de física teórica, geografía, economía, biología, etc., de modo que en la actualidad se puede decir que existe una concepción y una geometría fractales de la naturaleza. Estas se basan, en esencia, en el concepto de autosimilitud, una propiedad exhibida por aquellos sistemas cuyas estructuras permanecen constantes al variar la escala de observación ; en otras palabras : cuando las partes, por pequeñas que éstas sean, se parecen al todo. Este libro es el primer ensayo dedicado a exponer la teoría y es también, por lo tanto, un documento histórico impregnado de las vivencias directas de este científico cuya sorprendente aventura intelectual se desarrolla entre la...

Is it possible for a computer program to identify literary genres as well as human reasoning, to completely sequence a set of novels in order to trace the peculiarity of the stylistic phenomenon? The research of Franco Moretti and his team, the Stanford Literary Lab founded in 2010, has confirmed it: we can use computational systems to analyze in detail the genres of the novel, look for patterns in the arrangement of the most frequent words and scrutinize the interconnected layers of meaning. But undoubtedly one of the most important novelties to emerge from the digitization of literary studies is the ability to map the vast and unexplored continent of literature (The Great Unread): «We used to work with a couple of hundred nineteenth-century novels, but now we can analyze thousands or tens of thousands and soon hundreds of thousands; it is as if, suddenly, we have a telescope with which we can observe unknown galaxies». In this exploratory journey into the «narrative genome», Literature in the Laboratory succeeds in spreading the passion of a rigorous research process that, not without its difficulties, opens revolutionary doors for literary studies.

Esta obra es una compilación de ensayos que abordan el tema de lo grotesco desde perspectivas diferentes y permiten conocer tanto la que puede considerarse una teoría de lo grotesco como algunas de sus manifestaciones concretas en el seno del arte moderno. Los problemas que plantea la propia idea de "grotesco", la evolución del concepto, su presencia en el arte contemporáneo, son algunos de los temas que abordan David Summers, Barbara M. Stafford y Nöel Carroll. El tratamiento del cuerpo femenino, de lo abyecto, de lo grotesco en los medios de comunicación de masas, son otros tantos temas que permiten comprender el complejo panorama del arte contemporáneo.

La pregunta sobre la divinidad de Jesús ha sido el epicentro de discusiones teológicas desde el principio de la iglesia. En el concilio de Nicea en el 325 d.C., los padres de la iglesia afirmaron que Jesús el hijo de Dios es «el Dios verdadero del Dios verdadero». Hoy en día, credos como este son la guía de las iglesias a través del mundo y aun así existe confusión sobre quién es Jesús. Para algunos, Jesús es un profeta radical, nada más que un pie de página en la historia. Para otros, Jesús es el único Hijo de Dios, un Dios completo y un Hombre completo, el autor de la historia entrando en la historia. Lanier nos muestra usando el Antiguo y Nuevo Testamento por qué este último punto de vista es verdaderamente bíblico. The question of Jesus’s divinity has been at the epicenter of theological discussion since the early church. At the Council of Nicea in AD 325, the church fathers affirmed that Jesus the Son of God is “true God from true God.” Today, creeds such as this are professed in churches across the world, and yet there remains confusion as to who Jesus is. To some, Jesus is a radical prophet―nothing more than a footnote in history. To others,...

En un singular recorrido que conducirá al lector desde los albores de la humanidad hasta nuestros días, Alessandro Pierozzi lleva a cabo un dilatado y emocionante viaje en busca de la historia, desarrollo y repercusión de los medios por los que la música se hace escuchar: los instrumentos musicales. Técnica, construcción, acústica, formas de tocar, intérpretes, escuelas...: viento, cuerda, percusión. Estas páginas son el resultado de una intensa labor documental, de experiencias y conocimientos personales del autor y de aportaciones que notables solistas y profesores han transmitido con indudable generosidad. Como explica el director de orquesta Juan de Udaeta en el prólogo, «estamos ante una obra y un trabajo verdaderamente impresionantes de rigor y erudición que pretenden acercar al lector, sea músico o amante de la música, a la intrahistoria del arte musical». Un libro que, en expresión de Beethoven, rompe el silencio para mejorarlo.

Edmund Spenser es el poeta cumbre de la literatura inglesa del XVI, si exceptuamos al propio Shakespeare, Siguiendo la norma de otros autores isabelinos, pocos datos tenemos de su vida. La recopilacion lirica que ofrecemos es una magnifica muestra de la transicion del Renacimiento al esplendor de lo Barroco. A Epithalamion, uno de los grandes cantos nupciales de la literatura universal, el poeta antepuso los bellos sonetos y canciones de los Amoretti.

El hombre mediocre (1913), ensayo del sociólogo y médico ítalo-argentino José Ingenieros, aborda la naturaleza del hombre, oponiendo dos tipos de personalidades: la del hombre mediocre y la del idealista . El autor analiza las características morales del hombre y las formas y papeles que estos tipos han adoptado en la historia, la sociedad y la cultura. En este interesante libro, Ingenieros dice que “no hay hombres iguales”, define al hombre inferior , el hombre mediocre y el hombre superior; pero no arremete contra los dos primeros, sino que describe a los tres y exalta al idealista como su modelo de hombre.

El autor realiza una importante y original contribución a la teoria psicológica y psicopatológica que Vittorio Guidano introdujo especialmente en su obra "O Sé nel suo dlvenire". Dentro de la psicología cognitiva, Arciero propone una nueva perspectiva sobre la subjetividad considerando que su comprensión se funda en un esfuerzo interpretatiyo del propio sujeto, esfuerzo mediado por el lenguaje compartido y por la praxis de vida con los otros seres humanos, y organizado a través del relato. Los cuatro "estilos de personalidad" que formalizó Guidano son ilustrados aquí mediante la referencia (en forma de "diálogo") a personajes de la literatura: personajes de Maupassant en lo que respecta a la organización depresiva, de Chéjov para la organización del tipo de los trastornos psicógenos de la alimentación, de Pirandello para la organización fóbica, de Dostoievski para la que tiende a los trastornos obsesivo-compulsivos. Las referencias literarias y el panorama de filosofía y de historia de la ciencia en que se enmarca la exposición, la hacen interesante y accesible incluso para los lectores no especializados.

Hegel fue uno de los más grandes filósofos de la historia, y ejerció una influencia sin par en las ideas y los acontecimientos políticos del siglo XX. Sus escritos sobre filosofía, política, historia y arte forman parte de un sistema general más amplio, y se cuentan entre las obras más difíciles de toda la literatura filosófica. Este libro recorre una construcción teórica espectacular que tuvo por objeto dar sentido a la historia. Y brinda nuevas perspectivas sobre los debates posmodernos contemporáneos acerca de las 'metanarrativas' (Lyotard) y el "fin de la Historia' (Fukuyama). Es una introducción ideal a esta figura clave de la historia de la filosofía y una obra indispensable para quienes abordan el estudio de pensadores modernos como Marx, Lacan, Sartre y Adorno.

Picasso era español y por eso, según dicen, comenzó a dibujar antes que a hablar. Cuando niño, se sintió atraído de manera instintiva hacia las herramientas del artista. En sus primeros años pasaba horas en feliz concentración dibujando espirales con un sentido y un significado que sólo él conocía. Otras veces dejaba de lado sus juegos infantiles para trazar sus primeras imágenes en la arena. Tan temprana expresión artística encerraba la promesa de un raro don. No hay que olvidar hacer mención de Málaga, pues fue ahí donde, el 25 de octubre de 1881, nació Pablo Ruiz Picasso, y fue ahí donde pasó los primeros diez años de su vida. El padre de Picasso era pintor y profesor en la Escuela de Bellas Artes y Oficios. Picasso aprendió de él los rudimentos del entrenamiento académico formal en arte. Luego fue a estudiar a la Academia de las Artes en Madrid, pero no se graduó. Antes de cumplir los dieciocho años había llegado al punto de mayor rebeldía; repudió la estética anémica de la academia junto con la prosa pedestre del realismo y, naturalmente, se unió a aquellos artistas y escritores que se llamaban a sí mismos modernistas, a los inconformistas,...

Los textos de Nietzsche sobre retórica que se presentan en esta edición permiten completar la imagen de este gran pensador desde una perspectiva nueva. Entre los años 1872 y 1874 Nietzsche trata de rehabilitar la retórica hasta el punto de hacer de ella un paradigma lingüístico y un modelo de estrategia para reconstruir metódicamente el significado del hombre y del mundo. El descubrimiento del valor artístico del lenguaje, su carácter figurativo y trópico, y, sobre todo, su fuerza y poder hacen de la retórica un elemento operativo muy atractivo para llevar a cabo una transformación radical de la filosofía. En estos textos, que no fueron publicados por Nietzsche en vida, se habla de la formación del lenguaje como de un proceso metafórico; de las palabras como tropos; de las oraciones como figuras; de las figuras retóricas de la metafísica como «designaciones impropias». La metaforización del lenguaje es otra forma de afirmar la actividad artística del hombre y su visión estética de la existencia. El instinto metafórico del ser humano crea espacios de libertad para un juego creativo de perspectivas nuevas. Los textos van precedidos de una introducción del...

Edición completa y anotada de uno de los textos fundamentales del pensamiento estético de todos los tiempos.

Portugal, España y Grecia pasan hoy por transformaciones políticas muy turbulentas. Son procesos muy diferentes, pero tienen en común el hecho de producirse en países europeos considerados periféricos en relación a un centro que tiene poder para condicionar de manera decisiva sus opciones y aspiraciones políticas y sociales. Y todo ello dentro de un contexto histórico de larga duración en el que siempre se ha producido, de diferentes maneras, la subordinación de las periferias al centro. En el presente libro, Boaventura de Sousa Santos aborda la transición portuguesa de los años setenta, así como la situación derivada de la reciente crisis económica, ya que, como sucede en España, considera que no se puede entender esta última sin revisar las transformaciones políticas ocurridas durante la primera. Tanto Portugal como España vivieron intensos procesos de transición democrática tras décadas de dictadura fascista, con repuestas a crisis muy diferentes a las que en la actualidad preocupan a los dos países. Pero debemos preguntarnos si las diferencias entre ambos periodos no ocultan semejanzas perturbadoras, si las discontinuidades evidentes no están...

Recreaci n del pensamiento contempor neo sobre el hombre y una brillante defensa de la filosof a moderna. Habla del papel del fil sofo y del ser humano en un mundo agitado y sombr o. Expone, sucesivamente, teor as de la realidad, del hombre, de los valores y de la persona, Para terminar por dar una orientaci n tanto al acto de filosofar como a la conducta cotidiana.

La escuela “formalista” rusa de los años veinte se conocía muy irregularmente hasta que en 1965 Todorov reunió y tradujo al francés, por sugerencia de Genette, estos 14 ensayos trascendentales, precedidos de sendas introducciones de Jakobson y del propio Todorov que hacen el balance y definen las perspectivas de la obra de estos grandes estéticos soviéticos del lenguaje literario.

Más allá de los girasoles, los lirios y el retrato del Doctor Gachet, está el hombre, Van Gogh, con su fragilidad y su talento. Van Gogh, el post-impresionista que nació en 1853 y murió en 1890, dio forma a los conceptos de la pintura del siglo XIX con su creatividad y su técnica en el transcurso de varios años. Se convirtió en un precursor de los expresionistas, los fovistas y el arte moderno. Hoy, sin embargo, Van Gogh sigue siendo el símbolo de un pintor torturado por las enfermedades, por sus congéneres y en especial por sí mismo. En esta obra los autores siguen la huella de la correspondencia de Van Gogh, así como de sus pinturas, que expresan un nuevo enfoque con respecto a los colores. Aquí lo legendario va de la mano de lo banal y el gran genio artístico se confronta con las mezquinas realidades de la existencia. A pesar de su ansiedad y sus temores, Van Gogh se da cuenta de la importancia de su trabajo y reafirma su derecho a ser diferente. El futuro terminaría por darle la razón.

Como si de un cuadro modernista se tratara, este ambicioso trabajo transforma nuestra comprensión del significado de fascismo a través del arte, de la tecnología, del espíritu social y de la política de la primera mitad del siglo XX.