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Nacido en 1912, en un pequeño pueblo de Wyoming, Jackson Pollock personificó el sueño norteamericano cuando su país enfrentaba las realidades de la era moderna que reemplazaba al siglo XIX. Pollock se marchó a la ciudad de Nueva York en busca de fama y fortuna. Gracias al Federal Art Project, logró rápidamente la aclamación del público y después de la Segunda Guerra Mundial, se convirtió en la celebridad artística más grande de Estados Unidos. Para De Kooning, Pollock fue un “rompehielos”. Para Max Ernst y Masson, Pollock fue un compañero del movimiento surrealista europeo, y para Motherwell, Pollock fue un legítimo candidato a la categoría de Maestro de la Escuela Norteamericana. Pollock se perdió entre los muchos trastornos de su vida en Nueva York en la década de 1950: el éxito sencillamente le había llegado demasiado rápido y con excesiva facilidad. Fue durante este periodo que se aficionó al alcohol y puso fin a su matrimonio con Lee Krasner. Su vida terminó de la misma forma en que acabó la vida del icono de la cinematografía, James Dean, detrás del volante de su Oldsmobile, después de una noche de copas.

A Chagall le encantaba el azul. “El azul del cielo que incesante combate las nubes que pasan, que pasan” (Baudelaire). El viaje de Marc Chagall se inicia en su nativa Rusia y culmina con su triunfo en París, el extraordinario techo de la Casa de la Ópera de París que le comisionó Malraux. A lo largo del camino, su inspiración se empapó en el espíritu del siglo XX, sin jamás negar sus orígenes judeo-rusos. Esta obra sigue la huella del artista desde sus primeros trabajos hasta su descubrimiento de Estados Unidos y su pasión por Francia. Marc Chagall, que jamás se afilió a ningún movimiento pero que recibió la influencia de sus encuentros con Bakst, Matisse y Picasso, puede considerarse sin duda alguna el pintor de la poesía.

Nacido en 1912, en un pequeño pueblo de Wyoming, Jackson Pollock personificó el sueño norteamericano cuando su país enfrentaba las realidades de la era moderna que reemplazaba al siglo XIX. Pollock se marchó a la ciudad de Nueva York en busca de fama y fortuna. Gracias al Federal Art Project, logró rápidamente la aclamación del público y después de la Segunda Guerra Mundial, se convirtió en la celebridad artística más grande de Estados Unidos. Para De Kooning, Pollock fue un “rompehielos”. Para Max Ernst y Masson, Pollock fue un compañero del movimiento surrealista europeo, y para Motherwell, Pollock fue un legítimo candidato a la categoría de Maestro de la Escuela Norteamericana. Pollock se perdió entre los muchos trastornos de su vida en Nueva York en la década de 1950: el éxito sencillamente le había llegado demasiado rápido y con excesiva facilidad. Fue durante este periodo que se aficionó al alcohol y puso fin a su matrimonio con Lee Krasner. Su vida terminó de la misma forma en que acabó la vida del icono de la cinematografía, James Dean, detrás del volante de su Oldsmobile, después de una noche de copas.

A Chagall le encantaba el azul. «El azul del cielo que incesante combate las nubes que pasan, que pasan» (Baudelaire). El viaje de Marc Chagall se inicia en su nativa Rusia y culmina con su triunfo en París, en el extraordinario techo de la Casa de la Ópera de París que le comisionó Malraux. A lo largo del camino, su inspiración se empapó en el espíritu del siglo XX, sin jamás negar sus orígenes judeo-rusos. Esta obra sigue la huella del artista desde sus primeros trabajos hasta su descubrimiento de Estados Unidos y su pasión por Francia. Marc Chagall, que jamás se afilió a ningún movimiento pero que recibió la influencia de sus encuentros con Bakst, Matisse y Picasso, puede considerarse sin duda alguna el pintor de la poesía.

Paul Klee nació en 1879 en Münchenbuchsee, Suiza, y creció en una familia de músicos. En vez de seguir la tradición musical de la familia, decidió estudiar arte en la academia de Munich. Sin embargo, el amor que durante su niñez sintió por la música siempre fue parte importante en su vida y su obra. En 1911 Klee conoció a Alexei Javlensky, Vasily Kandinsky, August Macke, Franz Marc y otras figuras de vanguardia y participó en importantes muestras del arte vanguardista, incluyendo la segunda exhibición de Blaue Reiter en la galería Hans Goltz de Munich, en 1912. Es difícil clasificar a Klee como artista, ya que no se asoció con ningún movimiento en particular. En su obra se destacaron los temas satíricos y las representaciones de sueños y fantasías. El arte primitivo, el surrealismo y el cubismo parecen confundirse en sus delicadas pinturas en pequeña escala. El arte de Klee también se distinguió por una extraordinaria diversidad e innovación en la técnica, siendo una de sus más efectivas la transferencia al óleo. La realizaba dibujando con un objeto puntiagudo en el reverso de una hoja recubierta con pintura al óleo y colocada sobre otra hoja. Como...

“En el comienzo, el lienzo es blanco, vacío; luego el inicio cauteloso, y, después, el vertido de la pintura del tarro sobre el blanco de la superficie...” Hans Namuth Nacido en 1912 en un pequeño pueblo de Wyoming, Estados Unidos, Jackson Pollock encarnó el sueño americano en el momento en que el país se enfrentaba a las realidades de la era moderna, que apenas empezaba a reemplazar al concluido siglo XIX. Como en una novela, Pollock abandonó su hogar para buscar fama y fortuna en Nueva York. Gracias al Proyecto Federal de Artes fue aclamado rápidamente y al terminar la Segunda Guerra Mundial, se convirtió en la más grande celebridad del arte estadounidense. Para De Kooning, fue Pollock quien “rompió el hielo”. Max Ernst y André Masson consideraban a Pollock un compañero del movimiento surrealista europeo, mientras que para Motherwell, el artista era un legítimo candidato al estatus de Maestro de la Escuela Americana. Durante los muchos eventos tumultuosos que caracterizaron su vida en Nueva York en los años 50 y 60, Pollock perdió su rumbo; el éxito le había llegado demasiado pronto y demasiado fácilmente. Fue también durante ese período cuando se...

Marc Chagall was one of the most popular artists of the 20th century, famous for his poetic, surreal images that represent a topsy-turvy world and that combine fantasy and spirituality with a modernist style. This book showcases a wide range of his seductive work, from the famous paintings of the Jewish "shtetl" to his unforgettable images of folklore figures such as the "fiddler on the roof." The book even includes his theater murals and gorgeous stained-glass windows. Informative text accompanies the art, offering useful biographical information and historical context.

Amedeo Modigliani nació en Italia en 1884 y murió en París a la edad de treinta y cinco años. Desde temprana edad se interesó en estudios de desnudos y en la noción clásica del ideal de belleza. En 1900-1901 visitó Nápoles, Capri, Amalfi y Roma, además de Florencia y Venecia, y estudió de primera mano muchas obras maestras del Renacimiento. Quedó impresionado por los artistas del trecento (siglo XIV), como Simone Martini (c. 1284-1344), cuyas figuras alargadas y con aspecto de serpientes, realizadas con gran delicadeza de composición y color e imbuidas de tierna tristeza, fueron precursoras de las líneas sinuosas y luminosas evidentes en la obra de Sandro Botticelli (c. 1445-1510). Ambos artistas claramente influyeron en Modigliani, que utilizó las poses de la Venus de Botticelli en El nacimiento de Venus (1482) en su Desnudo de pie (Venus) (1917) y en Mujer joven pelirroja con camisa (1918), y la misma pose invertida en Desnudo sentado con collar (1917). La deuda de Modigliani con el arte del pasado se transformó por la influencia del arte antiguo (sobre todo las figuras cicládicas de la antigua Grecia), el arte de otras culturas (como la africana) y el cubismo....

Salvador Dalí (1904-1989), conocido principalmente por su estilo único y grandilocuente, puede presumir de un repertorio extraordinario donde concurren cine, escultura, fotografía y, por supuesto, pintura. Mientras que su nombre es a menudo asociado, con razón, al surrealismo, Dalí demostró su maestría en géneros tan dispares como el clasicismo, el modernismo y el cubismo. No por menos, supone una figura crucial en la historia del arte que ha inspirado innumerables libros y estudios. En este volumen los lectores podrán encontrar una fascinante apreciación de la vida y obra de uno de los pioneros del arte que más controversia y excitación despiertan.

Pablo Picasso (1881-1973) es considerado por muchos el artista más importante del siglo XX. Nacido en Málaga, Picasso demostró su talento desde una edad muy temprana y se apresuró en tomar contacto con los círculos artísticos más importantes de su tiempo, primero en Barcelona y posteriormente en París. En su modernista búsqueda de la novedad, Picasso acudió a la historia premoderna y al arte primitivo para encontrar la inspiración. A él y a su compañero Georges Braque les debemos la invención del cubismo, que no se trataba de uno más de entre muchos movimientos vanguardistas, sino de la corriente estética que cambiaría la pintura para siempre. Una vez que se liberó de los valores tradicionales, Picasso produjo una obra excepcional tanto en términos cuantitativos como cualitativos.

Modigliani (1884-1920) era un artista que no encontró mucha felicidad en su Italia natal, y en la tierra adoptiva de Francia sólo encontró tristeza. De esta infelicidad nació una extraordinaria y original producción de obras, influenciada por el arte africano, el movimiento cubista y las noches de alcohol de Montparnasse. Sus desnudos femeninos, con su profunda sensualidad casi agresiva, con sus rostros enigmáticos, parecen expresar todo el sufrimiento y la falta de reconocimiento de Modigliani. Modigliani murió a la edad de treinta y cinco años. Este libro contiene pinturas que, en aquel entonces, provocaron un gran escándalo, pero que en la actualidad parecen inofensivas.

Si hiciésemos una encuesta para saber cuántos pintores conocemos, la mayoría consultada mencionaría a Goya, Velázquez o Van Gogh, pero con seguridad no se hallaría a ninguna mujer en esta lista. Como si no hubiesen existido, pero no es verdad, existieron muchas y excelentes pintoras. ¿Por qué no las conocemos? Porque a lo largo de los siglos han estado escondidas en conventos en el Medievo o dedicándose a labores domésticas en el Renacimiento o el Barroco. Durante el siglo XIX las impidieron formarse porque pintar no era de "señoritas bien" y cuando se crearon las grandes pinacotecas europeas se siguió la norma patriarcal y las pintoras fueron relegadas. Aún hoy nos parece normal que en pleno siglo XXI, el Museo del Prado solo tenga a trece mujeres expuestas en su colección permanente. Es hora de sacar del olvido a estas pintoras, mujeres artistas con coraje, y este libro lo hace.

Pablo Picasso (1881-1973) es considerado por muchos el artista más importante del siglo XX. Nacido en Málaga, Picasso demostró su talento desde una edad muy temprana y se apresuró en tomar contacto con los círculos artísticos más importantes de su tiempo, primero en Barcelona y posteriormente en París. En su modernista búsqueda de la novedad, Picasso acudió a la historia premoderna y al arte primitivo para encontrar la inspiración. A él y a su compañero Georges Braque les debemos la invención del cubismo, que no se trata únicamente de uno más de entre los muchos movimientos vanguardistas, sino de la corriente estética que cambiaría la pintura para siempre.

Cada título de esta serie está dedicado a una técnica (acuarela, óleo, acrílica, pastel, etc.), tal y como reza el enunciado de la colección. Se trata de un conjunto de libros en cada uno de los cuales se explican de forma detallada y exhaustiva todos los aspectos que necesita saber para conseguir conocer a fondo la técnica en cuestión y poder así pintar con ella con soltura y dominio. Los volúmenes están estructurados de forma enciclopédica, a base de capítulos monográficos que contienen pequeños apartados. Todas las explicaciones se acompañan de la ilustración correspondiente al objeto de que ningún tema quede sin comprensión. Los volúmenes se cierran con un índice detallado para facilitar la consulta, la utilidad y el manejo de cada tomo, que viene a ser un vademécum con todo el acopio de conocimientos sobre la técnica en él tratada.

Los claros retratos metálicos, desnudos y naturalezas muertas de Tamara de Lempicka resumen el espíritu del Art Déco y del apogeo del Jazz, además de reflejar la vida elegante y hedonista de la élite adinerada, exclusiva y glamurosa de la París de entre guerras. En el arte de Lempicka confluyen una formidable técnica clásica con elementos prestados del cubismo, combinación que en su momento representó el culmen de la modernidad y de la moda, toda vez que se inspiraba en maestros tradicionales del retrato, como Ingres y Bronzino. Este libro destaca la pureza racional y la línea clara y sencilla de las mejores obras de Lempicka durante las décadas de 1920 y 1930, y las huellas que hay en ellas de la vida de esta talentosa artista llena de glamur. Este texto explora sus primeros años en Polonia y en la Rusia zarista durante el cambio de siglo, su período de gloria en París, y los largos años en Estados Unidos, pasando por el redescubrimiento de su obra en la década de 1970, cuando sus retratos alcanzaron un estatus icónico y fama mundial.

La invención de trastornos mentales se extiende a la infancia. Algunos problemas que tienen los adultos con la atención, la actividad y el humor de los niños están siendo capitalizados por la industria farmacéutica como dianas para la comercialización de medicamentos, sobre el supuesto de que son enfermedades cerebrales. Nos referimos, en particular, al TDAH y al trastorno bipolar infantil de reciente lanzamiento. Educar a los niños es mucho más complicado de lo que se piensa y el comportamiento de algunos supone un reto para su educación.

Detrás de los retratos de Frida Kahlo se ocultan tanto la historia de su vida como la de su obra. Es precisamente esta combinación lo que cautiva al espectador. La obra de Frida es un testimonio de su vida. Pocas veces se puede aprender tanto acerca de un artista con sólo contemplar lo que inscribe dentro del marco de sus cuadros. Frida Kahlo es sin lugar a dudas la ofrenda de México a la historia del arte. La historia y las pinturas que Frida nos dejó revelar el valiente relato de una mujer en constante búsqueda de sí misma. Al lado de Frida estuvo siempre el gran pintor y muralista mexicano Diego Rivera cuyos murales únicos hacen estallar las paredes en una explosión de representaciones de gran virtuosismo y su organización conmociona la mente del espectador. En esas paredes se juntan el hombre, su leyenda y sus mitos, su talento técnico, su intensa focalización sobre la narración de la Historia y sus convicciones ideológicas propensas a la auto-indulgencia.

Indice - Inspiración e intuición; El círculo de artistas en torno a Alfred Stieglitz; Flores y rascacielos; Visiones del desierto; Abiquiu - la puerta al patio; La inconmensurabilidad del espacio; Georgia O'Keeffe - Vida y obra.

Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz, Emil Nolde, E.-L. Kirchner, Paul Klee, Franz Marc y los austriacos Oskar Kokoschka y Egon Schiele pertenecieron a la generación de artistas de gran individualidad que contribuyeron al nuevo movimiento, intenso y con frecuencia controversial, de principios del siglo XX en Alemania y Austria: el expresionismo. Esta obra presenta su trabajo y lo coloca dentro del contexto cultural de los movimientos más importantes del periodo. Ashley Bassie, autora e historiadora independiente, explica cómo el arte expresionista condujo a un tratamiento nuevo, evocativo e intenso de los temas sociales, emocionales y psicológicos a principios del siglo XX. El libro examina el desarrollo del expresionismo y sus obras principales, y pone de manifiesto las imágenes, aspiraciones y conflictos, con frecuencia intensamente subjetivos, de los que surgió.

Cuando en los albores de la década de los setenta aparecía "Del arte objetual al arte de concepto", el libro no aspiraba sino a ofrecer un balance de los años sesenta y sus estribaciones en la década siguiente. Con esta ampliación a los últimos confines cronológicos pretendía ante todo ahondar en la poética de cada tendencia, y sintonizar, desde nuestra peculiar situación cultural, artística y política, con el panorama artístico internacional. La convergencia de una información positivista y la obsesión por retornar a las obras mismas, se verían complementadas por una voluntad de rebasar los sociologismos o las estrechas fronteras del realismo social en boga. Con ello no se traslución sino las preocupaciones metodológicas del momento y los estímulos de la estética en la vía abierta, entre otros, por W. Benjamin, en sus análisis sobre las figuraciones de lo moderno, y G. della Volpe, en sus preocupaciones por los lenguajes artísticos. Sin duda, uno de los reconocidos aciertos de la obra fue el propio título, pronto adoptado cual palabra de orden de lo que acontecía en el mundo de las artes. El libro quedó encumbrado como el texto legitimador de lo "nuevo", ...

Deja que sus vidas enriquezcan la tuyaMujeres de la Biblia se enfoca en cincuenta y dos notables mujeres de la Biblia, mujeres cuya lucha por vivir con fe y coraje no difiere de la nuestra.Este libro incluye:• Una lista de las mujeres de la Biblia.• Una línea del tiempo en la que aparecen las mujeres de la Biblia.• Una lista de las mujeres pertenecientes al árbol genealógico de Jesús.• Una lista de las mujeres relacionadas con la vida y el ministerio de Jesús.Profundamente humanas y vitales, las mujeres que aparecen en este libro pueden transmitirnos aliento, tanto a través de sus aciertos, como de sus fracasos. Descubriremos el modo en que Dios actuó de maneras sorprendentes y maravillosas para acercarlas a él, y también puede hacerlo con nosotras. Este libro cubre un año de devocionales y proporciona un método sin igual para ayudarnos a desacelerar nuestro ritmo y poder saborear la historia del persistente amor de Dios por su pueblo desde una perspectiva renovada, capaz de nutrir y fortalecer nuestra comunión personal con el Señor.

Mónica Pérez de las Heras te descubre la figura de Obama, el estilo de su oratoria y analiza desde la PNL las claves de su éxito.

Prohibido creer en historias de amor, la nueva novela de Javier Ruescas, es una comedia romántica sobre amistad, aventuras y amor en los tiempos de YouTube. Cuando tienes 17 años y toda tu vida pasa en YouTube, llega un momento en el que ya no sabes quién eres. Eso es precisamente lo que le sucede a Cali: su familia tiene un canal con dos millones de seguidores y su novio es el youtuber más conocido del momento. Por su parte, Héctor vive en una residencia de menores y lucha por averiguar de dónde proviene. Pero el único recuerdo que conserva de su pasado es una cinta de casete con una canción que toca siempre en el metro con la esperanza de que algún día alguien la escuche y la reconozca. Y ahí es donde se cruzan sus miradas. Las vidas de ambos quedarán entrelazadas para siempre cuando descubran el origen de la canción, el póster de una película olvidada y un cine abandonado lleno de secretos... Todo sin romper la única norma que Héctor sigue a rajatabla: está prohibido creer en el amor.

El volumen de Mega Square Zapatos se centra en la historia del zapato y eleva este objeto a la categoría de obra de arte. El autor es un destacado experto en la materia, así como el máximo responsable del Museo del Zapato de Francia, que cuenta con la mayor colección de zapatos del mundo, con 12.000 ejemplares. El título de Mega Square Zapatos presenta un tema diferente y apasionante en un formato práctico y compacto que lo convierte en un regalo perfecto.

Ramón Martínez es un abogado de éxito, un ateo convencido y un padre de familia como otro cualquiera. Pero todo cambia el día que Ramón tiene que ser operado y pierde la lengua —y con ella la capacidad de hablar— y comienza para él una silenciosa tragicomedia. Carmela, la mujer de Ramón, comenzará a tener discusiones diarias con un marido que no puede contestarle; Paulina y Mateo, sus hijos adolescentes, tendrán que afrontar la nueva situación mientras lidian con sus propias obsesiones (la obesidad y el onanismo). Elodia, la asistenta supersticiosa, busca una cura milagrosa para su jefe, que acude a terapia con Teresa, una psicoanalista, que cultiva marihuana en su ático. En medio de todo este barullo, Benito es el nuevo miembro de la familia: un loro de una especie en peligro de extinción con el que, paradójicamente, Ramón se comunica mejor que con sus seres queridos y que es capaz de blasfemar y gritar todo lo que Ramón no puede. Contada con un humor tierno y a veces un poco negro, esta tragicomedia nos muestra una familia como todas: con su día a día, con sus problemas, con su dosis de amor y de risas, y también, como en la vida misma, con su dosis de mala ...

¡Obtenga esta excelente oferta con más de 200 imágenes en un libro! Este libro de dibujo de figuras de acción te ayuda a encontrar el esqueleto debajo de la piel, la figura básica detrás de los detalles, lo que debes saber antes de entrar en las cosas complicadas. Le mostraré cómo copiar elementos básicos de dibujos de figuras de acción perfectamente impresionantes y usarlos para sus propios personajes y escenas personalizadas. Descubrirás, entre otros: El cuerpo femenino Anatomía del personaje cómico Luchadores y poses locas Cómo dibujar mujeres atractivas Dibujando tipos fuertes de ejemplos de figuras de acción Posa con armas como pistolas y espadas Poses románticas Monstruos y hombres musculosos Técnicas básicas de dibujo que te ayudarán a crear figuras llenas de acción. Etc.

Heredero de los preceptos de la Antigüedad y de Bernini, Auguste Rodin (1840 - 1917) recibió una innegable influencia de Miguel Ángel, en particular, por su obra Los esclavos. Y como Miguel Ángel, Rodin gozó de fama y fortuna (doctor honoris causa y miembro de la Legión de Honor, entre otras), aunque ciertos escándalos y controversias mancharon su reputación: sus esculturas de Víctor Hugo y de Balzac fueron rechazadas y El beso fue considerada demasiado erótica. Sin embargo, a pesar de tener muchas amantes y de haberse encaprichado con su estudiante Camille Claudel, quien esculpía el cuerpo femenino mejor que nadie, pleno de realismo y sensualidad, Rodin sigue siendo uno de los artistas más determinantes en la escultura del siglo XX. “Venus y Eva son palabras demasiado simples para describir la belleza de la mujer”. (Rodin) Este libro revela la vida de Rodin, a través del estudio de sus obras más famosas, como Las puertas del infierno, El pensador y El beso.

Josef Albers, uno de los más influyentes artistas-educadores del siglo xx, formó parte de la Bauhaus alemana en la década de 1920. En 1933 emigró a Estados Unidos, donde durante dieciséis años ejerció la docencia en el Black Mountain College. En 1950 pasó a la Universidad de Yale como jefe del Departamento de Diseño, y tras su jubilación en 1958 fue nombrado profesor emérito de arte, condición que conservó hasta su muerte en 1976. Distinguido con numerosos galardones y títulos honoríficos, en 1968 fue elegido miembro del National Institute of Arts and Letters, y en 1971 fue el primer artista vivo al que se dedicó una exposición retrospectiva en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York. Nicholas Fox Weber es director ejecutivo de la Josef and Anni Albers Foundation.

Eric Shanes es una de las máximas autoridades sobre Turner y en este libro recoge más de cuarenta años de experiencia de trabajo sobre el artista. De la primera edición del libro se dijo lo siguiente: “Tal como podríamos esperar del editor de los Estudios sobre Turner, Eric Shanes nos brinda una lectura particularmente enriquecedora y estimulante al incorporar los resultados de muchas investigaciones recientes”. John Gage, The Burlington Magazine

¿Cómo dibujas un retrato en 15-20 minutos? En la última década más o menos, he ganado miles de dólares sentado en eventos y dibujando bocetos rápidos de las caras de las personas. Me volví más rápido y más exacto a medida que seguía practicando, pero también descubrí que debes aprender algunas técnicas básicas incluso antes de intentarlo. Mientras dibujas lo más rápido que puedes y observas los rasgos faciales, examinas todo en tu cerebro y lo asimilas todo, hay ciertos trucos que puedes usar, preguntas que debes hacerte cuando estudias una cara, y consejos que debe conocer para minimizar el tiempo que dedica a ellos. En este libro, te contaré lo que sé, te daré una serie de ejemplos y te explicaré cuáles son los pasos más efectivos cuando dibujas un retrato.

Diego Velázquez fue un artista individualista del periodo barroco contemporáneo. A la edad de veinticuatro años, Velázquez hizo su primer viaje a Madrid con su maestro, Francisco Pacheco. Rápidamente logró la certificación como maestro de pintura. El rey Felipe IV se dio cuenta de su genio y lo nombró pintor de la corte en 1627. Poco después, el artista se hizo amigo de Rubens, en Madrid. Desarrolló un enfoque más realista en el arte religioso, con figuras que son retratos más naturales, en lugar de representar un estilo idealizado. El uso del claroscuro recuerda la obra de Caravaggio. Velázquez hizo al menos dos viajes a Roma para adquirir arte renacentista y neoclásico para el rey. En Roma, se hizo miembro de la Academia de San Lucas en 1650 y lo nombraron caballero de la orden de Santiago en 1658. Una de las mayores obras que se encargaron fue La rendición de Breda (c. 1634), donde muestra la derrota de los holandeses a manos de los españoles y glorifica el triunfo militar del reinado de Felipe. El artista pintó al Papa Inocencio X (1650) durante su segundo viaje a Roma, probablemente basándose en obras similares de Rafael y Tiziano. Esta pintura está...

Poco antes de su muerte, Claude Monet escribió: "Todavía lamento el haber sido la causa del nombre que se le dio a este grupo, ya que la mayoría de los artistas no eran impresionistas en absoluto". Comenzando con esta paradoja, la de un conjunto de artistas que se consideraban a sí mismos como un grupo coherente al mismo tiempo que declaraban que su objetivo final era reafirmar la individualidad artística, la autora, Nathalia Brodskaya, explora las contradicciones del arte de finales del siglo XIX. ¿Acaso no fue Manet quien evocó la fórmula definitiva: "pinto lo que veo y no lo que otros quieren ver"? Pasaría mucho tiempo antes de que el mundo reconociera la diferencia entre el arte tradicional y académico y el nacimiento de la pintura moderna y no figurativa. Después de analizar los elementos esenciales del movimiento impresionista, Nathalia Brodskaya examina la obra de cada uno de los principales representantes del movimiento, en busca de "esa convicción que tenían, de justicia en sus principios y de valores en su arte". De esta afirmación de sus diferencias nació la pintura moderna.

Estaba decidido a poseerla El jeque Shaheen Aal Shalaan se fijó en ella en una fiesta y enseguida decidió que sería suya. Tras intercambiar unas cuantas palabras, Shaheen tuvo a la misteriosa mujer en su cama, donde ella despertó las pasiones que se había estado negando durante tanto tiempo. Entonces, el jeque descubrió la verdadera identidad de su amante. Era Johara, su amiga de la infancia, ahora convertida en una mujer bellísima sin la que no podía vivir. Sin embargo, su puesto en la casa real de Zohayd exigía un matrimonio de Estado. Pero ¿cómo iba a darle la espalda a la mujer que esperaba un hijo suyo?

Si alguna vez estudiaste la ley de la atracción, probablemente estés consciente del hecho que este puede ser uno de los temas más importantes dentro de la base del conocimiento de la humanidad hasta el día de hoy. Al dominar la ley de la atracción, estarás en una posición de mantener cualquier clase de estilo de vida que gustes tener, de lograr tus metas deseadas, en el futuro por venir. Si este concepto de la ley de la atracción es nuevo para ti, seguramente tienes curiosidad y querrás saber cómo funciona, ¿verdad? Hay diferentes creencias que giran alrededor de esta ley, de cómo funciona. Pero un consenso en común se encontró y es que las personas les gusta ser el centro de atención. Así que si centras tú atención en una persona feliz, tú comienzas a sentirte un poco más feliz. El mismo proceso ocurriría al centrarse en cualquier otro tema.

Con su poderosa voz y su irresistible presencia en el escenario, la cantante folklórica argentina, Mercedes Sosa, era una intérprete de clase mundial, cuya influencia fue mucho más allá de las fronteras de la música. Incluida en la lista negra como una de las personas más peligrosas para el régimen de Argentina en la década de 1970, se convirtió en el punto de referencia subterráneo para los pobres y oprimidos, y en un icono de la democracia que luchó contra los dictadores de América del Sur con su voz. Junto con su carrera de toda la vida, que le valió cuatro premios Grammy, Sosa también trabajó como Embajadora de Buena Voluntad para los niños en América Latina y el Caribe, y se le otorgó el prestigioso puesto de Vicepresidenta del Consejo de la Tierra. Apodada "La voz de los sin voz", Sosa surgió como una leyenda y una madre muy querida de América Latina. Aunque Mercedes Sosa fue una de las artistas más reconocidas en la música internacional y colaboró con músicos de la talla de Luciano Pavarotti, Sting y Joan Baez, ella siguió siendo una heroína desconocida fuera de América Latina. Sin embargo, ahora diez años después de su muerte, el legado de Sosa ...

Escuchar historias de miedo a la luz de una hoguera es algo que nos fascina desde los albores de la humanidad. Como reacción al espíritu racional de la Ilustración, algunos autores del siglo XVIII apelaron a aquello que más nos asusta y se escapa a la razón: así nació el cuento de terror gótico. Con él nos adentramos en un mundo siniestro de castillos, tormentas nocturnas, fantasmas vengativos, monstruos innombrables, música de órgano y puertas chirriantes. En esta selección encontrarás algunas de las mejores narraciones del terror gótico clásico, escritas por los nombres fundamentales del género. Gothic horror arose as a counterpoint to the Enlightenment, as a way of escaping rationality in favor of a sinister world of castles, vengeful spirits, organ music, and creaking doors. This selection includes some of the best classic Gothic horror stories written by fundamental authors in the genre.

El autor de best sellers del New York Times y experto en liderazgo, John Maxwell, ofrece una perspectiva práctica para aprender cómo liderar a la persona que más importa: usted mismo. El camino hacia el liderazgo comienza con una pregunta que pocos nos hacemos: ¿Cómo me lidero a mí mismo? John Maxwell presenta veintiséis ideas, no sólo para quienes aspiran a posiciones de liderazgo sino también para líderes veteranos que tienen la meta de construir y mejorar sobre los pasos que les llevaron a estar al frente. Un liderazgo sano influenciará cualquier tarea, pero los líderes sensatos están preparados para el riesgo, y de modo importante, el fracaso, mientras señalan el camino hacia el logro. Con ejercicios de aplicación y un «Momento para mentores» que acompaña a cada capítulo, El manual de liderazgo presenta un mapa de ruta de un camino que muchos cruzan pero pocos deciden seguir. «Un líder —aconseja Maxwell— nunca tiene que recuperarse de un buen comienzo».

Exploring film milestones from the past century, film lovers, audiovisual students, and movie watchers will discover the greatest films that have marked the path of film development. Explorando los grandes hitos del film del último siglo, los cinéfilos, estudiantes de audiovisuales y los espectadores descubrirán los grandes filmes que han jalonado la trayectoria del desarrollo de las películas.